Historia de los lutiers

Un luthier es una persona que construye, ajusta o repara instrumentos de cuerda frotada y pulsada. Esto incluye a violines, violas, violonchelos, contrabajos y violas da gamba y todo tipo de guitarras (acústica, eléctrica, electroacústica, clásica), cuatros, laúdes, archilaúdes, tiorbas y mandolinas.
La palabra francesa luthérie, usada en varios idiomas, hace referencia al arte de construir instrumentos de cuerda. El nombre luthier se relaciona con los primeros luthiers, y proviene de la palabra francesa luth, a su vez procedente del árabe 'laúd'. Genéricamente Al'ud significa 'la madera'; voy a exponer a los lutiers o familias de lutiers mas importantes que existieron:Los Amati fueron una familia de fabricantes de violines italiana originaria de Cremona, que estuvo vigente entre los siglos XVI y XVII.
Andrea Amatti (1520–1578) estableció la forma del violín moderno. Sus dos hijos Antonio Amati (1550–1638) y Girolamo Amati (1561–1630), trabajaron juntos y fueron conocidos como Los Hermanos Amati.El gran aporte de los Amati al desarrollo del violín, fue su adelanto sobre el superficial y plano ejemplar, el cual era capaz de producir una esplendorosa entonación de soprano, después mejorado por Stradivari.

Antonio Stradivari
Entre los años 1667 y 1679 fue probablemente aprendiz en el taller de Niccolò Amati.
En 1680 se instaló por su cuenta en la Piazza San Domenico de Cremona, en el mismo edificio que su maestro, y pronto adquirió fama como hacedor de instrumentos musicales. Comenzó a mostrar originalidad, y a hacer alteraciones a los modelos de violín de Amati. El arco fue mejorado, los espesores de la madera calculados más exactamente, el barniz más coloreado, y la construcción del mástil mejorada.
Sus instrumentos se reconocen por la inscripción en latín: Antonius Stradivarius Cremonensis Faciebat Anno [año] («Antonius Stradivarius, Cremona, hecho en el año...»). Se considera en general que sus mejores violines fueron construidos entre 1683 y 1715, superando en calidad a los construidos entre 1725 y 1730. Después de 1730, muchos violines fueron firmados Sotto la Desciplina d'Antonio Stradivari F. in Cremona [año], y fueron probablemente hechos por sus hijos, Omobono y Francesco.
Además de violines, Stradivarius construyó arpas, guitarras, violas y violoncellos, más de 1.100 instrumentos en total, según estimaciones recientes. Cerca de 650 de ellos se conservan actualmente. Sus instrumentos son reconocidos entre los más bellos creados, son de alto precio, y todavía son utilizados por intérpretes profesionales. Únicamente otro luthier, Giuseppe Guarneri, inspira el mismo respeto entre los violinistas.
El 6 de mayo de 2006 Christie's subastó un violín Stradivarius llamado "Hammer" en la suma récord de 3.544.000 dólares, la mayor suma pagada por un instrumento musical. Fue adquirido telefónicamente por un comprador anónimo. El récord previo en una subasta por un Stradivarius fue 2.032.000 dólares, por el "Lady Tennant", en Christie's, Nueva York, en abril de 2005. Existen multitud de copias de los instrumentos Stradivarius. Las realizadas después de 1891 llevan por lo general la inscripción del país de origen. Muchos eventuales compradores sin los conocimientos suficientes pueden ser tentados a adquirir falsos Stradivarius, motivo por el cual es esencial contar con una autentificación reconocida.
Una hipótesis sobre la calidad de los instrumentos creados por Stradivarius, sugiere que el clima puede haber sido un factor importante en el extraordinario sonido que poseen. Durante las épocas de frío extremo, los anillos de crecimiento de los árboles son más angostos, están mas juntos y la madera tiene mayor densidad. El "mínimo de Maunder" fue un período de frío entre 1645 y 1715 que afectó a Europa, mientras se talaba la madera que Stradivarius habría de utilizar. Así, sin dejar de lado la extraordinaria calidad del trabajo de Stradivarius, se piensa que la singularidad del timbre de estos instrumentos puede tener su origen también, en el uso de madera perteneciente a un período climático especial.
Otra singularidad de los instrumentos de Antonius Stradivarius es su composición. Sus instrumentos se someten a estudio, tanto de forma, sonoridad, etc. Hoy en día es posible obtener violines de excelente calidad; sin embargo aún no se ha conseguido reproducir fielmente un violín de Stradivarius. Cierto y sabido es que el violín debe "madurar su madera"; esto es, que la madera "esté viva", y cuanto más vieja más curtida estará (aún mejor si el instrumento lo hemos estado usando). De hecho, el que un instrumento antiguo suene como lo hace, se debe en gran parte a su edad. De todas formas, y como se recalca, si ésta fuera la fórmula para confeccionar un "instrumento perfecto", actualmente lo tendríamos.
Todos y cada uno de los materiales, madera, pinturas, etc., que Stradivari usó pertenecen a la zona de Cremona, su lugar de origen. Cuando acababa su instrumento, el barniz con el que cubría la madera se consideraba muy importante, debido a la transpiración de la madera, etc. Y éste es uno de los misterios de nuestro luthier: la fórmula de su barniz. Se conocen la mayor parte de los componentes de su barniz; sin embargo aún se desconoce, al menos, uno.
Se cree que es orgánico; por ello muchos desisten de buscarlo, pues se arguye que quizá hubiera un riachuelo cercano a su lugar de trabajo, y en él el luthier lavara sus herramientas, quedando en ellas dicha sustancia. Quizá alguna resina de una especie endémica, nadie lo sabe. La cuestión es que ese componente continúa sin descubrirse, el último de una larga fórmula que, de ser usada, podría acercarnos mucho más a saber cómo crear el maravilloso sonido del violín italiano.
Las posibles características de la calidad del sonido.Ha habido muchos intentos de imitar la calidad del sonido de estos instrumentos; existen muchas teorías acerca de cómo fueron construidos. Muchos creían que el barniz usado por Stradivari se hacía con una fórmula secreta que se perdió al morir su creador, pero exámenes de rayos X y análisis de espectro en la superficie de los violines revelaron que todos fueron sometidos a cambios en su estructura (especialmente el mango, el cordal y las cuerdas), y a menudo lo único que queda del trabajo original es el cuerpo mismo, que fue rebarnizado periódicamente.
Otra teoría dice que el punto clave fue el tiempo que tomó secar las maderas de arce y abeto con que están construidos; esto también fue desmentido estudiando la fibra de la madera. Las líneas fueron comparadas con modelos de árboles que vivieron en esa época y se pudo determinar el tiempo de secado simplemente tomando la diferencia entre la fecha de construcción (que era dejada por Stradivari en una etiqueta en el interior del instrumento) y el cálculo de cuándo había sido cortado el árbol. Esto reveló que la madera se había secado durante no más de 20 años, y no 60 ó 70, como se creía.
Otra teoría señala que el período de frío extremo que sufrió Europa en los años en que Stradivari vivió, una especie de mini-edad de hielo, pudo ocasionar que los árboles que crecieron durante esa época desarrollaran una fibra más compacta y con una mejor calidad mecánica sonora. No obstante, existen instrumentos construidos en la misma época, con madera de los mismos árboles, que no lograron la magnificencia de un Stradivarius.
Cabe mencionar también la conocida teoría del árbol de Stradivari, la cual señala que el mismo Stradivari encontró un árbol dentro de un río; del enorme tronco de este árbol creó algunos de sus más renombrados instrumentos. Esta teoría se encuentra justificada a través del concepto de vibración que adquieren los materiales con el tiempo. Se dice que la propia madera adquirió la vibración del río, lo que le da un sonido único e irrepetible. Claro está que esta teoría puede estar basada en un intento por incorporar a la historia de la fabricación de los instrumentos un aspecto mas poético.
Finalmente, la teoría que parece más acertada hasta el momento es una que fue resultado de los mismos análisis de espectro en la superficie y en parte de la viruta residual obtenida del interior de un Stradivarius con sistema endoscópico. Estas pruebas revelaron la presencia de partículas metálicas muy pegadas a la madera, lo que podría sugerir que el gran maestro hizo un fino tratamiento a las maderas que usaba con disoluciones de sales metálicas, lo cual habría conferido a sus instrumentos la fuerza y riqueza de sonido que tanto se aprecian.
En enero del 2009 se publicaron, en la revista Public Library of Science,[][] los resultados de una investigación realizada durante tres décadas con muestras muy pequeñas (capas muy delgadas) tomadas de un Stradivarius en reparación: uno de los autores del estudio, el doctor Joseph Nagyvary, especialista en bioquímica y profesor de química en la Universidad de Texas A&M, aseguró haber hallado pruebas de que en Italia, en el "período dorado" de la construcción de este tipo de instrumentos, entre 1700 y 1720, una plaga de insectos afectó los árboles de la zona y fue la clave del éxito de Stradivari. El fabricante de violines "utilizó bórax (un componente mineral actualmente usado para la fabricación de detergentes y cosméticos, y también como retardante de incendios, como insecticida y como agente antihongos) para preservar los instrumentos contra los insectos", sin saber que ello tendría también efectos sobre la sonoridad. Usado como insecticida y preservador de la madera desde la época de la antigua civilización egipcia, donde se usó también para momificar restos humanos, el bórax se utilizó como protección en la primera capa de la madera de los instrumentos. Costo aproximado
Un Stradivarius genuino cuesta generalmente más de un millón y medio de dólares, y los que fueron utilizados por los grandes solistas como Yehudi Menuhin o Jascha Heifetz tienen un valor incalculable.
Pero uno de esos fue subastado en 3.5millones de dolares. Instrumentos originales e instrumentos no originales
De los más de 1000 instrumentos que fabricó Stradivari sólo quedan poco más de 500 en circulación; sin embargo, muchos lutiers posteriores a él firmaron Stradivari en el interior de sus instrumentos, por lo que no es raro encontrar debajo de la firma el texto "made in Germany". Un Stradivarius auténtico se distingue por sus finísimos acabados, madera de extrema belleza tornasolada y la etiqueta que cita el año y el lugar donde fueron construidos.

Giuseppe Guarneri o Joseph Guarnerius (1698 -1744) fue un luthier italiano, también conocido como Guarneri del Gesù por firmar sus instrumentos en el interior de la caja de resonancia con el monograma de Cristo, IHS. Sus instrumentos tienen un prestigio y valor comparables a los de Antonio StradivariSus violines, en comparación con los de Stradivari, tienen un sonido menos espontáneo pero más potente y profundo. Nicolò Paganini usó muchos violines de diversos autores pero su más famoso y querido instrumento fue un guarneri del jesu apodado "el cannone" (por su potencia) y revalorizó el trabajo de un luthier tenido hasta entonces como secundario
Dentro de la familia Guarneri Andrea Guarneri (1626- 1698) Fue un aprendiz en el taller de Nicolo Amati de 1641 a 1646 y nuevamente con él de 1650 a 1654. Sus primeros instrumentos están basados en el diseño del Grand Amati, pero batalló para obtener la sofisticación de los propios instrumentos Amati.
Dos hijos de Andrea Guarneri continuaron con la misma función de su padre.Pietro Giovanni Guarneri (18 de febrero de 1655 - 26 de marzo de 1720) Conocido como Pedro de Mantua (Pietro da Mantova) para distinguirse de su sobrino Pietro Guarneri. Trabajó en el taller de su padre alrededor del año 1670 hasta su matrimonio en 1677. Se estableció en Mantua en 1683, donde trabajó como músico y fabricante de violines. Sus instrumentos generalmente son mas finos que los de su padre, pero son mas raros, debido a su doble profesión.
Su hijo menor; Giuseppe Giovanni Battista Guarneri (1666 - 1739 ó 1740) Conocido como Filius Andreae, se unió al negocio de su padre en Cremona, al heredarlo en 1698. Es reconocido entre los grandes fabricantes de violines, a pesar de competir con Stradivari, una presencia omnipresente a lo largo de su carrera. Alrededor de 1715 fue ayudado por sus hijos y probablemente por Carlo Bergonzi.
También fue padre de otros dos fabricantes de instrumentos:
Pietro Guarneri (Pedro de Venecia o Pietro da Venezia)(14 de abril de 1695 - 7 de abril de 1762). Dejó Cremona en 1718, asentandose posteriormente en Venecia. Ahí combinó las técnicas de su padre con las de Venecia, quizás trabajando con Domenico Montagnana y Carlo Annibale Tononi. Sus primeros trabajos originales datan de 1730. Sus instrumentos son raros y muy apreciados al igual que los de su padre y los de su tío. Uno de sus chelos fue interpretado por Beatrice Harrison.
Bartolomeo Giuseppe Guarneri (Del Gesú 21 de agosto de 1698 - 17 de octubre de 1744), es considerado el mas grandioso fabricante de violines de todos los tiempos. Giuseppe es conocido como Del Gesú. Sus instrumentos se diferenciaron de la tradicion familiar, crando un estilo propio y único, considerado de los mejores, sólo después de los de Stradivari, aunque algunos argumentan lo contrario.
En su obra destacamos: El instrumento favorito del virtuoso violinista Niccoló Paganini era el II Cannone Guarnerius, un violín Guarneri del Gesú de 1743. El violín Lord Wilton Guarneri del Gesú hecho en 1742 fue propiedad de Yehudi Menuhin.

Grandes violinistas

Los grandes violinistas al igual que el papel protagonista del violín surge desde el barroco hasta nuestros días. Dentro del período barroco destacamos a Antonio Vivaldi y Arcangelo Corelli.
Antonio Vivaldi:
(1678 - 1741)
Nace en Venecia el 4 de marzo. En 1703 es ordenado sacerdote pero, al cabo de un año, una enfermedad le impedirá a volver a ejercer su ministerio. Desde entonces y hasta 1740 es, en diversas etapas, maestro de violín y de composición, y maestro de coro en el Seminario musical en Venecia. En abandona Venecia y se traslada a Viena. Muere en Viena el 28 de julio de 1741. Su Aporte, fueron sus grandes obras, como Las 4 Estaciones de Vivaldi228 conciertos para violín. 25 dobles conciertos para dos violinesOpus 1, 12 Sonatas para 2 violines y bajo continuo (1705)
Opus 2, 12 Sonatas para violín y bajo continuo (1709)
Opus 3, L'estro armonico, 12 conciertos para diversas combinaciones. Los más conocidos son el n.º 6 para violín en la menor, el n.º 8 para 2 violines en la menor, y el n.º 10 para 4 violines en si menor (1711)
Opus 4, La stravaganza, 12 conciertos para violín (c. 1714)
Opus 5, (segunda parte del Opus 2), 4 sonatas para violín y 2 sonatas para 2 violines y bajo continuo (1716)
Opus 6, 6 conciertos para violín (1716-21)
Opus 8, Il cimento dell'armonia e dell'invenzione, 12 conciertos para violín (los primeros 4, en Mi mayor, Sol menor, Fa mayor, y Fa menor son mundialmente conocidos como Las cuatro estaciones, el quinto en Mi bemol mayor como La Tempestad del Mar, el sexto en Do mayor como El Placer y el décimo en Sí bemol mayor como La Cacería) (1725)
Opus 11, 5 conciertos para violín(el segundo en Mi menor, RV 277 es conocido como "El favorito").








Arcangelo Corelli (1653-1713)
Estudió primero en Faenza, luego en Lugo (ciudades próximas a su ciudad natal) para llegar finalmente, en 1666 a Bolonia.En 1670, a los diecisiete años de edad, fue admitido en la Academia Filarmónica de Bolonia. En 1682 se convirtió en primer violinista de la orquesta de capilla de la iglesia de San Luis de los Franceses, la iglesia nacional de la comunidad francesa en Roma. En 1610 ingresó en la Congregazione dei Virtuosi di Santa Cecilia, el mismo año que adoptó el nombre de Arcomelo Erimanteo. Para 1700, Corelli era ya primer violinista y director de conciertos del Palacio de la Cancillería. Corelli fue tremendamente famoso en vida, tanto como compositor como, sobre todo, intérprete de sus propias obras; realizó numerosas giras por Francia e Inglaterra, donde era recibido por la más alta aristocracia. Solían llamarlo el Príncipe de los músicos, famoso por la terrible dulzura de su carácterSu obra se limita a 62 piezas. - (12º La Folia)
· 12 Concerti grossi, opus 6 (1714) ·



En cuanto al período clásico tenemos a viotti.


Giovanni Battista Viotti(1753-1824)
Nace el 2 de mayo en Fortanetto da Po, Italia.Demuestra sus habilidades en el violín a sus 11 años de edad, siendo llevado a Turín por la marquesa de Voghera. Apreciado desde muy joven como violinista, fue acogido bajo la protección de los príncipes Dal Pozo della Cisterna que procuraron que estudiara con Antonio Celoniat.
En 1775 formó parte de la capilla de la Corte de Saboya dirigida por Giulio Pugnani. En 1780, éste último lo llevó en una gira de conciertos a Ginebra y Viena. Continuó viaje él solo hacía Dresde , Berlín (donde tocó para Federico II el Grande), Varsovia y San Petersburgo. , la cual termina en Francia, donde triunfa y decide vivir.
En 1782 de regreso en París obtuvo un gran éxito en el Concert Spirituel que le abrió la mayor parte de los círculos musicales. Fue nombrado solista de la Corte de Maria Antonieta, pero su actividad de concertista se redujo notablemente los años siguientes. Pasó entonces a dedicarse a la enseñanza, la composición y la organización de conciertos.
Durante los 20 últimos años del siglo XVIII fue considerado como el mejor violinista de Europa. Como compositor fue un defensor de la tradición instrumental italiana de la época rococó, pero abierto al romanticismo. Sus conciertos están influenciados por Haydn.
Luego, abandona Francia a causa de la revolución y llega a Londres, donde empieza un negocio de vinos, por el cual moriría quedando en la ruina. 29 conciertos para violín 70 sonatas para violín 2 sinfonías para 2 violines y orquesta.


En el periodo romántico tenemos a Paganini y Sarasate

Nicolo Paganini(1782-1840)

Considerado entre los más famosos virtuosos de su tiempo, reconocido como uno de los mejores violinistas que hayan existido, con oído absoluto y entonación perfecta, técnicas de arco expresivas y nuevos usos de técnicas de staccato y pizzicato. Tocaba con el arco ya evolucionado. En 1790 se desarrolla como compositor.En 1796 recibe las últimas lecciones de violín con Rolla en Parma.En 1801 concluye un ciclo de giras por toda Italia y se sumerge en el silencio durante cuatro años.En 1805 reaparece en Luca, Italia, donde se hace cargo de la orquesta formada por la princesa Elisa Baciocchi. En París conoció al pianista y compositor húngaro Franz Liszt, que, fascinado por su técnica, desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín. En 1833 en la ciudad de París le encargó a Héctor Berlioz un concierto para viola y orquesta; el compositor francés realizó Harold en Italia, pero Paganini nunca la interpretó. Renunció a las giras en 1834.
Fue además tutor del violinista italiano Antonio Bazzini, a quien motivó para que iniciara su carrera como concertista. Su técnica asombraba tanto al público de la época que llegaron a pensar que existía algún influjo diabólico sobre él, porque a su vez su apariencia se notaba algo extraña y sus adelantos musicales eran una verdadera obra de arte. Se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "Nota 13". Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas de violín (retirando primero las otras tres, de manera que éstas no se rompieran durante su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban. Además en la mayoría de sus espectáculos usaba la improvisación. Esto indica lo cercano que estaba su arte al mundo del espectáculo. Sus obras incluyen veinticuatro caprichos para violín solo (1801-1807), seis conciertos y varias sonatas. Su imaginativa técnica influyó notablemente en compositores posteriores como Franz Liszt, Johannes Brahms, Sergei Rachmaninoff, Boris Blacher, Andrew Lloyd Webber, George Rochberg y Witold Lutosławski
En 1833 regresa a Italia aquejado de problemas nerviosos.Tras unos años finales de enfermedad en los que incluso perdió la voz, muere en Niza el 27 de mayo de 1840 a los 57 años de edad.
Entre sus posesiones se encontraban siete violines Stradivarius Se le encontraron en la casa cinco violines Stradivarius y dos Amati, aunque su predilecto era un Guarneri del Gesù de 1742, que hoy está expuesto en el Palacio cívico de Génova. Este último violín tiene un valor de $1.700.000 aproxidamadamente. Su más grande obra fue “Los 24 Caprichos de Paganini”. Le Dstreghe, Op.8, inspirada en el ballet de Süssmayr II noce di Benevento.
Fantasía para la cuerda en Sol, sobre el Mosé de Rossini, para violín y orquesta.
Perpetuum Mobile en Do, allegro di concerto, Op.11 para violín y orquesta.
Sonata appassionata y otras para violín y piano.
Doce sonatas y dos sonatinas para violín y guitarra.
Catorce cuartetos para violín, viola, violoncelo y guitarra.
Variaciones sobre la plegaria del Mosé de Rossini, en la cuarta cuerda, para violín y piano.
Variaciones sobre “Di tanti palpiti”, del Tancredi de Rossini, para violín y piano.
Variaciones sobre “Nel cor Piou non mi sento”, de la bella molinara, de Paisiello, para violín y piano.



Pablo de Sarazate:(1844-1908)
Nace en Pamplona, España el 10 de Marzo.Comienza muy pronto a estudiar violín, haciendo su debut a los 8 años en La Coruña.La Reina Isabel II le regala una beca para estudiar en París, donde iría en 1856En 1857 obtiene el Premio de Violín del Conservatorio de París, y dos años después comienza su carrera de concertista que le llevará por toda Europa y América.Fallece en Biarritz, el 20 de septiembre de 1908.Como compositor nos dejó una música más Gitana, donde el violín es siempre el protagonista (como la música de Paganini) El rápido éxito que obtuvo como ejecutante le hizo abandonar sus estudios de armonía y composición. Viajó por toda Europa dando conciertos. También fueron frecuentes sus desplazamientos a América del Norte y Sudamérica. Según la prensa de la época, sus conciertos y recitales fueron memorables. Fue poseedor de dos violines Stradivarius: uno regalado por la reina Isabel II de España y adquirido a Jean Baptiste Vuillaume, y otro comprado a Gand y Bernardel.
Su formación musical y el espíritu de triunfo lo mantuvieron activo hasta su muerte. Según las críticas y crónicas de la época, su fuerza radicaba más en la sutileza de interpretación que en el fuego temperamental, aunando ataque, pasión, flexibilidad y una facilidad natural para el violín. Su técnica de la mano izquierda fue también famosa, así como la velocidad de ejecución. Arrancaba el más hermoso sonido que pueda esperarse del violín sin mostrar el enorme esfuerzo.
En su testamento, Sarasate cedió su violín Stradivarius y 25.000 francos al Conservatorio de Madrid para la organización de un premio que llevara su nombre y que terminaría convirtiéndose en el Premio Nacional de Violín.
Le fueron dedicadas numerosas obras de importantes compositores contemporáneos, como la Sinfonía Española de Eduard Lalo, el Concierto No. 3 para violín y orquesta de Camille Saint-Saëns y muchas otras importantes joyas del repertorio del instrumento.
Falleció en su casa de «Villa Navarra» en Biarriz, Francia, el 20 de septiembre de 1908, a consecuencia de una angina de pecho a los 64 años de edad.
Está enterrado en un gran mausoleo en el centro del Cementerio de San José-Berichitos, de Pamplona, donde cada día 1 de noviembre, la corporación municipal de Pamplona, acude al cementerio a colocar una corona de flores en su sepultura y hacerle homenaje musicales y demás.
Los conservatorios de Pamplona, de grado medio y superior, llevan su nombre: Conservatorio Navarro de Música Pablo Sarasate.
La actividad de Pablo de Sarasate como compositor escapa a la leyenda, puesto que hoy en día sus obras están a disposición de todos quienes lo deseen.
Por el grado de dificultad técnica de las piezas de su catálogo, se adivina que los elogios debieron ser sinceros, ya que no hubiera compuesto lo que él mismo no se atreviera a tocar con propiedad y brillantez.
Una constante en sus obras es la presencia del folklore español, destacando las jotas navarras y zorcicos vascos como punto de partida y como principal elemento rítmico y melódico.
Entre sus obras más populares figuran la Fantasía sobre Carmen de Bizet opus 25, Aires gitanos opus 20, y una serie de piezas con fuerte inspiración folclórica española como la Malagueña n.º 1 opus 21, Habanera n.º 2 opus 21, Romanza Andaluza opus 22, Zapateado opus 23, Capricho Vasco, opus 24. Zigeunerweisen


Entre 1903 y 1904, Pablo de Sarasate realizó algunas grabaciones para la compañía británica The Grammophone & Typewritter Limited, con respaldo de pianistas cuyos nombres no fueron registrados. Éstas grabaciones se realizaron sobre cilindros de fonógrafo, aún vigentes en ese momento, los cuales fueron posteriormente transcritos a discos usando técnicas mecánico-acústicas. Al final de las ejecuciones en estos discos, fue grabada la nota «La» natural, de 440 Hz, probablemente por el técnico que realizó la transcripción, mediante una armónica de afinación, ya que este tono no aparece en los cilindros grabados. Probablemente, esta costumbre se debiera a la falta de normas en esos tiempos en cuanto a la velocidad de grabación y reproducción en las máquinas cortadoras de discos maestros y gramófonos acústicos, respectivamente. Este tono permitiría fijar la velocidad de reproducción a la misma velocidad de grabación.



Siglo XX y actualidad: Kreisler y perlman



Fritz Kreisler:(1875-1962)

Inicia sus estudios con su padre, un violinista aficionado, en 1879En 1882 ingresa al Conservatorio de Viena.Dos años más tarde, con tan solo 9 años, debutó como violinista y al año siguiente fue discípulo de Lambert, Massart y Delibes en el Conservatorio Musical de París. para luego en 1888 iniciar una gira por Estados Unidos.A pesar del éxito, decide abandonar el violín y dedicarse a la medicina, pero en 1899 retorna a la escena musical, ganando rápida reputación como el más grande violinista de su época.En 1924 se instala en Berlín, posteriormente en París y en 1939, huyendo de la amenaza nazi, se refugia en los Estados Unidos. Como violinista fue único y como compositor nos legó una colección de bellas transcripciones y de piezas de salón, como “Preludio y Alegro”. Entre sus composiciones caben destacar obras para violín como «Liebesleid» y «Liebesfreud».


Itzhak Perlmann (1945-?)
Es actualmente el mejor violiolinista del mundo. Ha conseguido premios Grammy de música clásica. Ha interpretado las bandas sonoras como solista en las películas La lista de Schindler, Memorias de una Geisha. Ha tocado en las orquesatas filarmónicas de Israel y Leningrado y ha realizado numerosas giras por todo el mundo. Una de sus más famosas interpretaciones es su versión de los 24 caprichos de Paganini

HOLA bienvenidos

Buenas ¿qué tal? En este blog se tratará la historia del violín en relación al instrumento y explicando su transcurso a lo largo de la historia y el protagonismo musical que ha tenido, los intérpretes más importantes...Es importante para la gente tanto la que estudia o toca este instrumento de cuerda frotada tan elegante y agudo como él mismo como para las personas que lo admiran e ,incluso , las que no lo admiran para que tengan una relevante cultura sobre un instrumento que representa un papel sea cual sea en muchos estilos y para que sepan qué es de verdad ese instrumento, el arte musical que desempeña y la importancia que ha ido adquiriendo a lo largo de los siglos (respectivamente admiradores y no admiradores)

Precedentes de este instrumento se encuentran en muchas zonas del planeta. Los más rudimentarios "antepasados" del violín son los arcos (entre las etnias chaqueñas aún se encuentra el uso de un par de pequeños arcos, uno de ellos -el mayor- es sostenido con la boca del ejecutante, mientras que el mismo ejecutante mueve el arco más pequeño con una de sus manos y así frota con las cuerdas del más pequeño de los arcos las cuerdas del mayor de los arcos). También se puede encontrar el arhu (ar - dos- y hu pueblos del norte en recuerdo de su origen mongol) en oriente, y su familia huqin, en la que no existe diapasón, quedando sus dos únicas cuerdas al aire y pasando la crin entre estas dos. Sin embargo, la "genealogía" que lleva al violín actual es más compleja. Se encuentra en el frotamiento de las cuerdas del laúd y el rebab —y su versión europea, el rabel-, instrumentos difundidos en la Europa mediterránea durante la expansión medieval de los árabes. En Italia, a partir del rebab, surgen los antecedentes más evidentes, tanto del violín como de la llamada viola de gamba; son tales precedentes la viela (originalmente llamada rebec, y también denominada fídula) y la lira da braccio, ésta ya muy semejante a un violín primitivo, aunque con el diapasón separando los bordones. Es en el siglo XVI que aparece el violín propiamente dicho, aunque con algunas diferencias respecto a la mayoría de los violines que se vienen fabricando desde el siglo XIX. La tapa superior se hace de madera de pino, y la inferior de arce; estas maderas eran las usadas por los grandes fabricantes. El arco ha sufrido muchas modificaciones. El modelo actual data del siglo XIX, cuando se le dio una curvatura que antes no tenía. Incluso era cóncavo en los modelos más primitivos.
Aunque en el siglo XVII el violín (violino) se encontraba bastante difundido en Italia, carecía de todo prestigio (el laúd, la vihuela, la viela, la viola da gamba, la guitarra, la mandolina eran mucho más considerados). Sin embargo, Claudio Monteverdi es uno de los que descubren la posibilidad de las calidades sonoras del violín, y es por ello que lo usa para complementar las voces corales en su ópera "Orfeo" (1607). Desde entonces el prestigio del violín comienza a crecer. Hacia esa época comienzan a hacerse conocidos ciertos fabricantes de violines (llamados aún luteros o lauderos, o luthiers — más frecuentemente que violeros— ya que inicialmente se dedicaron a la fabricación de laúdes). Así se hacen conocidos Gasparo Bertolotti de Saló, o Giovanni Maggini de Brescia, o Jakob Steiner de Viena; sin embargo, una ciudad se hará celebérrima por sus lauderos especializados en la confección de violines: Cremona. En efecto, de Cremona son los justamente afamados Andrea Amati, Giuseppe Guarneri y Antonio Stradivari (sus apellidos suelen ser más conocidos en su forma latinizada: Amatius, Guarnerius, Stradivarius). Durante el siglo XIX se destacaron François Lupot y Nicolas Lupot. Es a partir de entonces, y sobre todo con el barroco, que se inicia la Edad de Oro (al parecer de allí en más perpetua) del violín.
Desde entonces el violín se ha difundido por todo el mundo, encontrándose incluso como "instrumento tradicional" en muchos países no europeos, desde América hasta Asia. Especial atención ha recibido en la música árabe, en la que el ejecutante lo toca apoyado en la rodilla cual si fuera un violonchelo, y en la música celta irlandesa, donde el instrumento recibe el nombre de fiddle (derivado del italiano fidula), y sus músicas derivadas como, en cierto grado, el country. Ha habido también grandes violinistas de jazz, como Stéphane Grappelli, Jean-Luc Ponty o Joe Venuti.